Music Wins con Mogwai

Cuando la noche se hizo mas fuerte que la lluvia en el Mandarine Tent se avecinaba otra tormenta; una llamada Mogwai.

Ya mientras tocaba Yann Tiersen una pieza musical de violines clásicos, los asistentes de la banda escocesa probaban los violentos riffs de guitarras que habrían de sonar minutos después. Con "Heard About You Last Night" (de su ultimo disco "Rave Tapes") la inducción al trance comenzaba.

El clímax sombrío e instrumental de la banda escocesa se destaca por el increscendo que hace pendular los cuellos de la gente que logra entrar en su orbita. Este detalle es fundamental para entender la presentación en vivo de Mogwai, están los que entraron en su juego dejandose arrastrar por la agonía sónica y el posterior electroshock y los que optaron por la retirada.

Los más fanáticos de la banda cerraban los ojos 'cabeceando' cada pulso y detonación del bajo y la batería de Dominic Aitchison y Martín Bullo. Mientras que otros contemplaban los juegos de luces que apuntaban a una inmensa bandera con el logo del ultimo disco que cubría todo el espectro del escenario.

Al no tener cantante, el acto de demagogia queda ausente, apenas unos 'muchas gracias' en castellano entre tema y tema fueron suficientes para que la gente siga vibrando hipnotica con eso que algunos especialistas llaman 'post-rock'.

The Jesus and Mary Chain en Groove

The Jesus And Mary Chain se presentó en la Ciudad de Buenos Aires ante un público que llenó un miércoles lluvioso, a seis años de su anterior visita y sin disco nuevo por presentar. Un rato antes, Iguana Lovers calentaba el ambiente previo al del desembarco de los escoceses con un ajustado e impecable show en el que repasaron su larga historia al mismo tiempo que presentaban algunos tracks de su inminente disco, el esperadísimo "Surfing Caos" (lanzado apenas unos días antes de esta presentación).

La reverencia a The Jesus And Mary Chain esta aceitada desde que las últimas camadas del índie rock formaron sus deseos, invocándolos a ellos y los periodistas del 'rock business' reconocen su sello en distintas metamorfosis sonoras de los 2000 (bandas como Black Rebel Motorcycle Club y The Raveonettes son claros ejemplos).

Al primer tema, con la presencia física de la banda, el aura del misticismo de la estampita 'psycho dark' se esfuma. Aunque el paso del tiempo no ha tratado tan mal a los hermanos Reid, en especial a su cantante Jim. El beat preciso de "Head On" (del disco "Automatic" de 1989), comenzó a entusiasmar a los presentes, pero ya al siguiente tema comenzó un desprolijo ir y venir de problemas en la guitarra de William Reid que hizo detener varias veces el show.

Mientras sonaban temas como "Between Planets" y "Blues From A Gun", la gente intentaba ponerle color, saltando y hasta arrojando una bandera escocesa. La base sostenía el clima tedioso, parco, que suelen emprender las bandas cuando están tocando sin ganas aparentes (sólo parecía entretener a Jim Reid enrollar el pie de micrófono con el cable y lanzárselo).

Con el tema "Cracking Up", a mitad del show, ya parecía que la banda se estaba aprendiendo los temas en vivo... por suerte la voz y la melodía de Jim permanecieron intactas; su sello bucólico y seductor mantiene la esencia de la banda. "Happy When It Rains", con los paragüas de la gente en alto, le sumó el color necesario para llegar al final del set, que termino con una corista invitada interpretando la bella "Just Like Honey", un himno que abre su clásico disco "Psychocandy" de 1985.


Cuando todo parecía perdido vinieron los bises: "Hardest Walk", "Taste Of Cindy" y, en especial, "Reverence" mostró todo lo bueno que pudo haber sido... ahí donde las luces se encendieron más que en toda la noche, donde el bombo sonó como debería haber sonado en todo el set, donde las guitarras acoplaron mejor que nunca, allí donde el bello noise se apoderó de nuestro cuerpo. Todo lo bueno en una sola y última estocada final. Dando, algo así, como el gol agónico en tiempo suplementario.

Lollapalooza en Buenos Aires

San Isidro era el destino,un viaje que se hizo demasiado largo y dos dias de música por venir.
Me dispuse a encontrarme con amigos de buen humor y disfrutar del encuentro con la música en vivo y en directo.
El Hipódromo en donde se realizo el Lollapalooza en Buenos aires era la arquitectura del entorno, pero la realidad es que solo era la puerta de entrada hacia el campo mismo, metros y metros separaban las formas del contenido de la apuesta rockera del año.
Cuatro escenarios, grandes templos al aire libre que rugían como motores de luz y sonido; tambien, muchos puestos de comidas inusuales para un festival de rock como el helado de Freddo o un Café Martínez...Mientras, mesas y sillas al estilo OctoberFest ocupaban una parte del inmenso predio, un espacio para niños con payasos, juegos y recitales cerraban el circuito Apto para todo publico.
El primer recital que recepcionaron mis oídos sensibles, me decepcionó bastante.
Julián Casablancas salía a escena mientras las nenas que iban a ver que onda, preguntaban quien era...
La propuesta sonora característica de los Strokes, la voz con ese efecto que lo deja muy atrás, y un sonido excesivamente fuerte opacaban mi primera impresión del evento.
Luego para hacer tiempo e ir buscando un lugar especial para el show de Nine inch Nails, me tope con una banda nueva, Imagine Dragons, que de a poco me fue agradando, parecen ser el ultimo modelo del rock actual, mezcla de Chemical Romance con Muse pero con una impronta norteamericana, tamizado por momentos, con estructuras electrónicas tipo Skrillex; además venían con un cover de Blur en el combo también...
A nivel escénico tenían actitud de comerse el escenario y aportaba como elemento original un bombo gigante al que le daban duro en muchos temas. Aprobado.
Mas tarde,mientras sonaba lo que parecía ser un buen show de Phoenix de lejos, la noche se hacia presente junto a los seguidores de Trent Reznor y compañía haciendo juego.
Nine inch nails era lo que venia a ver, así que me deje llevar por mis amigos que son mas fans que yo y me mande adelante, ahí cerca de las vallas.
Entre apretujones, saltos en maza, un pie del mosh encima mío, duré cuatro temas, si,toy viejo...
Sonaron de puta madre, mas atrás se escuchaba mucho mejor, la combinación de sangre y electrónica se entrelazaba perfectamente, temas como Copy of A invitaban al goce del trance y otros como March of the Pigs al pogo en la olla, marca registrada del lollapalooza.
Luego vino Arcade Fire ya más relajado, viendolo de lejos, mirando la pantalla.
La orquesta discorock canadiense puso en duda mi conocimiento de esta década y me quede con la sensación de que me estaba perdiendo algo.
Aunque bueno, por momentos me aburrí y me fui a comer un paty salado.
Y así se fue la noche con fuegos artificiales, gente y más gente saliendo tratando de llegar a su destino, para luego al otro día volver con la pulserita puesta.
El día 2 arranco con Johnny Marr, entrando tarde mirando de reojo la presentación de Pez, a la misma hora.
El otro líder de The Smiths se destaco por revivir esa noble nostalgia de los ochentas, tocando cuatro temas de su banda insignia y uno del dúo que tuvo con Bernard Summer, Electronic.
Un digno sonido en vivo, esos punteos característicos de la época, sutil, brillante,demasiado para las cuatro de la tarde.
Un paseo posterior por el merchandising del festival buscando la famosa canilla de agua gratis, me topo con el Show de Afi.
Banda del ultimo coletazo post New Metal gótico, dio un show de rock fuerte y contundente al que vi tranquilo sentado en el pasto.Ya a esta altura una cruz invertida en la espalda me causa gracia.
Se asomaba en el escenario de al lado la previa de lo que seria el recital de Pixies que venia con el detalle de la presentación oficial de la bajista Argentina.
Lo que es interesante a nivel sonido de esta banda es la presencia notoria del bajo, algo de ruido de las guitarras (solo de cable incluido), ruido de voces...Noise y mas Noise.
Tocaron dos clásicos como Monkey gone to heaven y Where is my mind para cerrar, veinticuatro temas seguidos de los Pixies no son para cualquiera, y la verdad que lo termine padeciendo.
Soundgarden fue una de mis bandas de cabecera en mi adolescencia grunge, verlos era una cuenta pendiente.
Algunos problemas con el bajo no impidieron que lo disfrute moviendo el cuello, cantando y cerrando los ojos, tamizando algún recuerdo de aquellas épocas, el tono sepia de la pantalla coloreaba la escena perfectamente.
Chris Cornell y Compañía mantienen la esencia intacta de la banda, yo con Like Suicide y Fell on Black Days ya estaba hecho.
Luego vino Red Hot Chilli Peppers para cerrar,Chad Smith dando catedra con la bata,se destacó del resto...
Un sonido de bajo muy pobre desajustó la escucha general y bueno...  la retirada, que al otro día había que laburar.



Mientras todo pasa escribo dejando la huella.
Los sonidos se van rápido...

Pd: Agradecimiento especial a la persona que consiguió las entradas!

Peter Hook And The Light

Vayan temprano anunció, desde su página en Facebook, Peter Hook y muchos no le creyeron… Lo cierto es que a las 20:20, los tempraneros de siempre y unos pocos privilegiados que iban llegando al Teatro Vorterix, pudieron sorprenderse con la primera parte del show: un set de ocho temas de Joy Division.
Peter Hook And The Light inició su encuentro con el público de Buenos Aires rememorando a la gran banda post-punk por excelencia: "Digital", "Disorder" y "Dead Soul" fueron algunos de esos experimentos sonoros que Peter (con un timbre de voz muy similar a Ian Curtis) rescató de su pasado musical para poner en evidencia las huellas desgarradoras de Joy Division, hoy.
Protegidos por la iconografía de los primeros 80's en pantalla gigante, y un "Pil" incrustado en la remera del guitarrista David Potts, la ceremonia siguió su curso con "Movement", el primer disco de New Order, presentado íntegramente, convirtiendo la velada en un remanso de vanguardia revisionista. Arrastrando a su pesado bajo en todo momento, Hook fue intercalando el protagonismo de su instrumento con el otro bajista de la banda, su hijo Jack Bates; ambos le dieron una presencia estelar a esta herramienta por la particular manera de hacer sonar el bajo punteando notas agudas, de forma similar a una guitarra.
A medida que el show avanzaba, el rastro de Joy Division se iba diluyendo (nunca por completo), dando lugar a la búsqueda tecno del segundo disco de New Order ("Power, Corruption & Lies"), la pista con todo el teatro lleno fue virando al costado 'dance' de la banda. El espíritu de las primeras máquinas de ritmo y los synthes de Andy Poole fueron marcando el tercer retorno a escena de la noche; allí temas como "Everything's Gone Green" y "The Village", hacían mover tanto a los cuarentones que miraban y retrocedían su mente en el tiempo, como a los muchos adolescentes que no entendían como un viejo de sesenta años los podía hacer mover.
Ya con gesto cansado, pero de buen humor y siempre al frente, 'Hooky' se enfrentaba a los palillos para hacer sonar una batería electrónica y hasta puso el teclado melódico al servicio de "Your Silence Face". Ya cerrado el telón previo a la estocada final se escuchó un remix de "Blue Monday" y todos bailando esperaron por más… Luego de 29 temas volvieron para dar lo más hitero de New Order y la cosa terminó de estallar: "Temptation", "Blue Monday" y el clásico de Joy Division, "Love Will Tear Us Apart".
Con Peter Hook desnudo sin su remera, terminó la noche donde todos sudaron la casaca negra.

Mr. Moonlight Tour

A poco más de un año de su última visita, con la excusa de presentar sus clásicos temas de Bauhaus (en una gira que festeja los 35 años de la mítica agrupación) el legendario Peter Murphy volvió a Buenos Aires.
Con el enérgico clima dejado por la banda soporte "Flood Of Tears", el telón de Vorterix se abrió para dar inicio a una sutil introducción acústica, allí la guitarra de doce cuerdas de Mark Thwaite comenzaba a penetrar en cada uno de los presentes mientras Peter derramaba sensualidad con su voz gutural.
La profunda interpretación de la oscuridad dejó paso al ritmo entrecortado de "Double Dare" y de "In The Flat Field", con el bajo y la batería tomando posesión, marca registrada de Bauhaus.
Luego de enojarse con la organización del lugar y decirle al público que iba a intentar hacerlo de la mejor manera posible, el show comenzó a mejorar. "Strange Kind Of Love", el único tema de la carrera solista tocado en la noche, puso las emociones a prueba gracias al violín de Emilio China, el bajista de la banda de Murphy.
Otro momento alto del show fue con uno de los temas clásicos aclamado por el público "Bela Lugosi's Dead", allí Peter Murphy arremetió con el espectro sonoro, jugando con un sintetizador mientras capas de delay sincronizaban en los oídos del público. La hipnosis continuó con la bailable "Kick In The Eye" con Murphy saltando y tocando un teclado melódico.
Poseído por el "espíritu santo" se apoderó de los presentes en la ruidosa e intensa "Stigmata Martyr" seguido de "Dark Entries". Luego bajando unos decibeles en "Severance", cover de los míticos Dead Can Dance, cerrando el show previo a los bises.
La noche revisionista enmarcada en la gira "Mr. Moonlight Tour" culminaba con el hit "She's In Parties" y con las versiones que siempre interpretaban de T. Rex, "Telegram Sam", y "Ziggy Stardust" de David Bowie.
Bauhaus siempre fue difícil de catalogar más allá de comulgar con lo oscuro, todavía hoy sus temas siguen siendo genuinos e inigualables, raros e incomprensibles.
Hoy sigue siendo increíble ver en escena, a los 56 años, a este señor de impronta gótica: sus duelos con las luces, sus miradas al horizonte, sus movimientos elegantes, su estampa actoral hacen que cada presentación suya sea una demostración de buen gusto, única. 

Carl Barat en Vorterix

En un set largo y efectivo Carl Barât sacudió su mito británico por segunda vez en Buenos Aires, con un plus especial: lo acompañó su viejo compañero de banda, el increíble Gary Powell en batería.
Saliendo a escena acompañado del guitarrista y el bajista de la banda nacional Místicos (banda soporte de la noche junto a Fantasmagoria), el cantante fue soltando su look presentación de media galera y accesorios para sacudir sus zapatos como un cowboy polvoriento durante toda la noche.
Con "Bang Bang You're Dead" y "Up The Bracket", el inicio del show dio la pista de que la serie de temas de Dirty Pretty Things y The Libertines dejarían secuelas en la mirada de muchos que no lo podían creer.
Recordando su anterior visita a la Argentina, Carl Barât y su impronta gitana también sedujeron a los presentes con un set acústico de cuatro temas bajando, por unos momentos, los decibeles de la velada.
Ya en la segunda parte del show, con el voltaje afinado, Barât volvió a ese énfasis de guitarras crudas y puro carisma escénico que patentó junto a Peter Doherty con temas como "Horrorshow", "Death On The Stairs" y "The Man Who Would Be King"; allí el público presente comenzó a sentir ese 'shock de energía' que reflejó lo mejor de la escena del punk-rock inglés del nuevo milenio.
Con un show aparte se robó la atención de la noche Gary Powell, que en su debut en nuestro país se mostró gratamente sorprendido por la respuesta del público.
La botella vacía de whisky en el escenario y el perímetro de golpes frenéticos debajo, se hicieron eco de la catarsis de temas de The Libertines que cerraron el concierto con "What A Waster", "Don't Look Back Into The Sun" y "I Get Along".
La coreografía de voces gritando al unísono el nombre de Carlos, más el espíritu adolescente desenfrenado debajo del escenario, reflejaron en la noche del lunes en Vorterix, que la onda expansiva del indie rock británico no deja de agotarse nunca en estas tierras.

The Cureheads en Groove

A fuerza de ganas y paciencia (y alguna agenda disponible) la visita de The Cure a la Argentina va tomando forma, mientras tanto, los Londinenses de The Cureheads dieron una minima muestra, una imagen proyectada de todo la magia que solo Robert Smith y los suyos pueden dar.
El ritual oscuro lo inicio La Sobrecarga, el mítico grupo local que fue telonero de The Cure en Ferro; mostró todo su oficio y precisión al pisar el escenario de Groove. Luego Flood Of Tears, con su panic rock se encargó de llenar de energía la previa.
Con Plainsong y Shake dog shake arrancó la sobredosis de mímica tributera del guitarrista y cantante de The Curehead, Gary Clarke, que fue ajustando todos los gestos posibles de Robert Smith para el desarrollo del Show.
En un comienzo se notaba a la gente estudiando con minuciosidad cada nota y cada gesto de la banda, mientras la mirada tímida del cantante buscaba algún punto de fuga...No le fue fácil despejar las dudas que los fans tenían de la banda. El Show de The Cureheads en Buenos Aires fue Auspiciada como la única banda de Covers que tiene un miembro original de The Cure, el baterista Andy Anderson, que colaboro en discos como The Top, Japanese Whispers y Concert.
La Mayoría compró su entrada pensando que iban a escuchar en vivo al legendario baterista, pero no fue así, ya que por motivos personales suspendió su arribo a estas tierras.  
Así y todo, y gracias a Gabriel Muscio, baterista local, la banda pudo desplegar su cancionero dark para algo mas de doscientas personas que esperaban respuesta.
Entre tanto se fue sumergiendo a parte de la audiencia con temas como The Hanging garden,Charlotte Sometimes y A Strange Day a esa oscuridad pop de estilo inigualable que conmueve por su originalidad y romanticismo.
Luego llegaría la parte movida del repertorio con The Walk,  Let´s go to bed  y comentario  risueño mediante  The Lovecats (Clarke aclara su devoción por los Perros a diferencia de la  imagen que rodea a los darkies con los gatos.)
Situados en la etapa clásica de la banda, la década de los ochentas (poco y nada del repertorio post Disintegration) la lista de covers sumó cerca de veinte canciones, The Cureheads supo "ilusionar" con temas como A Forest (sumaron palmas), Picture of You, Just Like heaven y por Supuesto el himno Boys don´t Cry.  
Pero ese Plus que toda banda debe arremeter en escena recién se dio al final de la velada, la energía se transmitió hacia el publico y viceversa con la estela del sonido Post punk de  10:15 Saturday Night y Killing an Arab que fueron Pogueados y saltados por unos cuantos fans de The Cure que esperan, de una vez por todas, no sentirse estafados en su ilusión.

Kate Nash en la Apertura del Personal Fest 2012

El último coletazo festivalero arrancó este domingo 4 de Noviembre, la apertura del Personal Fest 2012 apostó a la segunda visita de la británica Kate Nash. El espíritu indieteen transformó a The Roxy Bar de Palermo en un salón de Quince cool por unas horas; allí Kate demostró en escena toda su aura angelical... aunque su propuesta musical hoy haya sido contaminada por el espíritu punk rock de las riot grrrl. Pudimos ver cierta transformación en ella desde que la conocimos hace 5 años con su hit "Foundations", alli lucia sin maquillaje, al natural como su música; hoy en escena ya desde sus primeros temas, con el bajo colgado, impone volumen, actitud desafiante y pose oscura. Sin perder los matices que la llevaron a ser Nº 1 en los charts ingleses con su primer disco "Made Of Bricks", el presente de esta cantante nacida en Irlanda hoy transita una búsqueda que la aleja de sus aniñados comienzos en el negocio de la música. Nada de esto pareció importarle a la decena de fans que se sacaron las ganas de verla en vivo; con mucho carisma y temple escénico desplegó con su banda (3 chicas ultra sonrientes) buena onda a lo largo de todo el show; no faltaron los regalos que recibió de mano de sus admiradores, muchachos que le pedían casamiento, cómo así también una bandera argentina que logro ponerse un rato largo para que sus fans pudieran sacar fotos. Sonaron temas inéditos, los dos primeros del set, adelantos de su próximo álbum. Kate Nash brilló con altas dosis de sensualidad e ingenuidad femenina propia de la estética pin-up, y a medida que pasaban los temas fue potenciando su propuesta tocando tanto la guitarra como el bajo, más o menos enojada, pero siempre con altas dosis de energía contagiosa. Temas como "Do-Wah-Doo" y otros, de su ultimo trabajo "My Best Friend Is You", sonaron mas crudas que la versiones originales pero con la impronta necesaria para mantener aliados a los fans que se acercaban a ella. En una hora y media de show sin pianos ni teclados se impusieron con un sonido más cercano a Hole que al pop inglés para adolescentes patentado por Lily Allen. Con un video de bailarinas a go-go algo alocadas como fondo sonó "I'm A Feminist You're Still A Whore" y ya estaba todo dicho: para esta chica de 26 años ya no hay despecho juvenil sino rigor feminista. Mientras los trenes dejaban su huella sonora en The Roxy, Kate Nash nos arrollaba con un tema dedicado a las Pussy Riot, "Free My Pussy", alli desbordada de energía descargó sus dotes actorales sin bajo ni guitarra. Los bises sin la banda fueron el toque de comunión perfecta para cerrar el show, el tema "Don't You Wanna Share The Guilt?" fue cantado por Kate, hasta que se olvido la letra, allí hizo subir al escenario a dos fans, que coparon los micrófonos. Inolvidable para ellos, un final muy personal para nosotros. Kate Nash pasó por Buenos Aires arrancando el último gran Festival del año.

Maccabees en Buenos Aires

La primera jornada del Pepsi Music arrancó movidito, primero en las redes sociales, informando entre idas y vueltas que los espectadores iban a padecer una baja sustancial en la grilla Principal: Kasabian se bajaba definitivamente de la 8ª edición del festival por problemas de salud de Sergio Pizzorno. Así y todo, el festival siguió su curso y una de las apuestas principales de la jornada en el predio de Costanera Sur fue la banda londinense The Maccabees.
Cuando la noche iba haciéndose lugar en cada uno de los cientos que iban llegando, este quinteto proveniente de Brighton desplegó tímidamente su Pop Épico en el escenario principal, despertando cierto interés en los muchos que no lo conocían. Arrancaron con "Child" y "Feel To Follow", dos gemas de su última producción discográfica "Given To The Wild" (para la critica especializada uno de los mejores del año) y de a poco fueron mostrando sus matices ambientales de ritmo inusual para la arenga tribunera. The Maccabees por momentos capturan cierto barroquismo a lo Arcade Fire y recuerdan a los climas increscendo del rock de estadios de Coldplay, sin embargo a lo largo de sus tres discos se encargan de escaparle con soltura a cualquier etiqueta hecha y derecha. En escena la búsqueda de intención rockera quedó en manos de los guitarristas,los hermanos White (muy poca la actitud del cantante Orlando Weeks), allí uno de ellos se fue prestando al desafío de copiar las palmas que le llegaban del sector VIP, mientras el otro pilar de las seis cuerdas se desplomaba con aires de punkrocker sacudiendo su estilo con temas como "First Love".
Entronado en el costado izquierdo del escenario, el lungo y estático bajista sacudía los ritmos intrincados de temas como "No Kind Words", intensificando los complejos paisajes sonoros. Lo que pareció intenso e interesante al comienzo fue tornándose algo denso y apático, en temas como "Wall Of Arms" y "Can You Give It" comenzaron a deambular tristemente por ritmos alegres no logrando captar la atención del público presente. Quizás la amplitud de su propuesta, le escapa a la media del oído pop disponible.

Fleetwood Mac Tango In the Night

Me lleva a escribir sobre este disco un recuerdo.
Una de las tantas noches de tragos y música, en un famoso sótano retroalimentando pasiones ochentosas (en ese afán de estar en una década cultural apasionante dentro de otra que no lo es...)
Allí entre ojos cerrados y parlantes destrozados sonaba "Little Lies"; Un sinte entre oriental y arábigo, una voz cautivante hablando de corazones rotos,una base precisa cosecha 87...  y en mi, un sudor, esa sensación de haberlo escuchado antes, en una carretera hacia algún verano... inicia la búsqueda.

Tarde poco en darme cuenta que ese tema estaba en sintonía con otro... "Everywhere" Clásico de noctámbulos de radio que manejan por las noches buscando pasajeros. Un Comienzo al Galope de sintes encantados (rington que usaría como alarma con gusto), un estribillo entrador (estribillo y entrador deberían ser sinónimos) y un teclado que mantiene el ensueño...En Fin, ya tenia impregnado dos temas de Fleetwood. 
Recopilando info me vengo a enterar que en Fleetwood Mac convivían dos parejas compositivas y carnales...Culebrones y relaciones tormentosa que retroalimentan el nivel musical... Big Love, Primer tema del Disco cantado por el Guitarrista Lindsey Buckingham emana sexo cautivo hasta el final, un elixir de guitarras acústicas que rebotan en los parlantes, mientras entran y salen sintes y solos de viola balanceándose a cuarenta grados...Pura fiebre sonora.
El Mantra de dos bailarines que se balancean en la noche de una atmosfera cálida y misteriosa se mantiene vivo en toda la escucha del disco. Tango in the Night.
Qué pasa cuando el nombre del disco proviene de una canción...Uno espera algo especial en ese track, algo que represente la quinta esencia del disco...Sin dudas en este caso es EL tema, la composición máxima. Lindsey cumple con todas las premisas del relato de una canción: Misterio cautivante, golpe y efecto...Misterio cautivante, goce de la repetición y un desenlace con uno de los mejores solos de guitarra con final incompleto desde que Hendrix patentó la idea de que tenía que dejarte con las ganas para gozar mas...
Vaya a saber uno si la vinculación errónea del tango con climas Tropicales llevo a poner este cuadro de Brett Livingstone-Strong a la Tapa del LP...  Pero muchos de los suaves y variados elementos percusivos son los que orientan al oyente a establecer una conexión con el  arte de tapa .El paisaje selvático, donde el collage de colores furiosos, imaginieria exótica, salvaje y elegante te invitan a vivir la portada. Un Disco Trasciende a través de estos detalles.

La Revuelta de Peter Murphy

Contando las Visitas de este año de Sisters of mercy y The Mission aún quedaba espacio para los fans de la música oscura, la figura del Líder de Bauhaus.

Luego de su última visita en febrero del 2009 Peter Murphy volvió a los escenarios porteños para la presentación de su último disco Ninth.

La Cita fue en el Teatro Vorterix ante el abrigo de Nubarrones y buenas bandas soportes (unos muy destacados Flood of Tears)

Pasadas las 21hs este héroe mitológico del reviente del post-punk asomó su elegante impronta gótica desplegando su mantra intimista de la mano de Hurt (Cover de Nine inch nails).

Minutos mas tarde la banda desplegó su rock contundente (cercano a Him) mientras que Murphy centrado en la transmisión del dolor como única realidad entonaba su voz barítono canciones como Peace to each  y Velocity bird de su mas reciente placa.

Luego sonaron las composiciones de su primer etapa solista, una  impecable Cuts you Up y replegándose de las luces, cantó su bella suite Acústica Strange kind of love.

La fuerza de los integrantes que acompañan a Peter en esta gira, lo nutren de una energía revitalizando su presente: el bajista arremete con furia y certeza su bajo desafiando los límites y el guitarrista Mark Thwaite despliega su colapso eléctrico en temas vitales como Stigmata Martyr de Bauhaus.

Sin dudas los temas mas festejados y pogeados por el publico son los que le han dado a Murphy el podio de icono gótico de los primeros ochentas, temas como She is in parties y Dark entries siguen siendo tan potentes como en los viejos tiempos. Por suerte su aspecto vampiresco, teatral, visceral, sigue teniendo a pesar de sus años, el magnetismo suficiente para generar la devoción de un publico fiel.

Los Bises del final con Ziggy Stardust de Bowie, Indigo Eyes y All night long colman las expectativas  demostrando  que Peter Murphy es un verdadero maestro de ceremonias y este fue realmente un espectáculo digno de presenciar.

The Horrors en La Trastienda

En una visita que no pasará inadvertida para los amantes del rock Ingles, The Horrors, en un set de una hora, dejó en claro porque son la banda con mejor presente dentro de la escena del rock Britanico.

La cita del martes en la trastienda, sedujo a un público mayormente adolescente que  acompañó los estribillos pegadizos del cantante Faris Badwan en la descarga inicial del show, donde predominó el oscuro nervio Post punk de su segundo disco (Primary Colours) con temas como “Mirror´s Image”  Y “Who Can Say”.

La base hipnótica, las texturas climáticas y el groove lánguido fueron ganando terreno  en el paisaje sonoro de la noche. Los sintetizadores de Tom Cowan y la guitarra de Joshua Hayward recrearon fielmente el imaginario del espíritu Shoegaze.

Los presentes, con el feedback intacto, acompañaron la performance del quinteto durante todo el Show, aclamando en especial a su carismático líder, que destiló fuerza desde su flaquísimo cuerpo encorvado maniobrando el Pie De Micrófono como digno sucesor de Joey Ramone y Ian Curtis.

Mientras el duelo Synthes vs. Guitarra dejaba en escena el claro panorama noise de su último disco “Skying” con temas como “Endless Blue” y “Dive In”  el mantra sonoro ensordecedor se hizo acople con los destellos de furia contenida por el guitarrista en “Moving Further Away”, dando la puntada final de la contundente  primera visita de The Horrors en la Argentina.

Los actuales renovadores de la escena Británica pasaron por Buenos Aires, el espíritu sónico se apoderó de nuestra fe y la sombra de su huella permanecerá en nuestros sentidos.

https://www.facebook.com/UKRockRadio

RusiA Revelacion 05

Mucho glamour y cierto misterio esconden las seis personalidades que componen Rusia, misterio que va de la mano de sus comentarios psicosociales acerca de la vida y de sus consecuencias emocionales, todo matizado en sus volantes de alto diseño arty vale-retro.
Musicalmente podemos relacionar a esta banda con un estilo Manchesteriano (Juana la loca?), matizados por guitarras bien al frente ( Graham Coxon?), sin perder los delicados aportes que brindan los sintetizadores, además obtienen cierto vuelo psicodelico que Babasonicos dejo de encontrar y de buscar.Tambien se los puede encasillar como una sintesis de Los Latigos, o como una banda que roza los 80´s (The Killers ?) para reinventar el futuro, pero con una energia propia en busqueda propia.
Aclamados ya por cierta elite quilmeña su show en vivo es avasallante, su sonido es sutil y dignifica/supera con creces el material que compone su disco homonimo.
Punto en contra, quizas su exceso de languidez los deja tildados hacia el costado del nuevo Pop rosa.
Y creanme esta banda da para mucho mas que eso...

south american tour in Bsas

Pearl jam la esquirla mas grande del Big bang post Grunge estuvo en Bsas.

Solo un par de palabras para definir la sensacion de lo que fue el sabado 26 de Noviembre desahogo- asombro- fervor.

La banda liderada por Eddie Vedder demostro un gran potencial en vivo con una solidez de ya mas de diez años arriba del escenario.
Es un caso muy analizado por todas las bandas que vienen del extranjero: el fervor del público Argentino.Muchas veces se duda de cierto patriotismo, pero no se puede dejar de reconocer que, el ruido ensordecedor de miles de gargantas coreando el eterno final de Black, dejó temblando de emoción miles de almas nostalgicas.
La entrega del público fue el reflejo, la simetria de entrega que dejo Pearl jam arriba del escenario y mas sorprendente aún fueron los gestos felicidad y asombro REAL de cada uno de los integrantes.
Temas como Even Flow, Alive, Go, Animal, golpeaban como cachetazos bien puestos a un público entregadisimo que coreaba tema tras tema, y que gritaba enfervorizado como pocas veces se ha visto ultimamente, en un recital de banda extranjera que ha pasado por estas pampas.
Sin falso eufemismo Eddie Vedder en un castellano forzoso agradecio diciendo que somos el mejor público que tuvimos, que no se queria ir y recordo a las victimas de Cromagñon tambien.
Era increible, cada vez que Eddie queria empezar a cantar... los gritos eran mas fuertes.
La banda soporte Mudhoney rindio homenaje a su culto y se comportaron como veteranos jugando a ser estrellas de Rock,con un sonido mas cercano a Nirvana, se llevo a cuestas unos pogos mas violentos de la tarde/ noche.
Luego de una espera razonable Pearl jam salio al ruedo con una larga lista de temas MFC, Save You, Hail Hail, Animal, Given To Fly, Small Town, Whipping, Even Flow, Love Boat Captain, Corduroy, Lukin, 1/2 Full, Daughter/(WMA), Insignificance, Jeremy, Do The Evolution, 1ER BIS : State of Love and Trust, Black, Better Man, Porch 2ndo bis Last Kiss (by Frank Wilson), I Believe in Miracles (by the Ramones), Alive, Rockin' in the Free World (by Neil Young), Yellow Ledbetter.
En conclusion una noche memorable donde el público se entrego a Pearl jam y Pearl jam se entrego al público, en fin otra banda que se va con una gran imagen de nuestro público y una noche de rock que no podremos olvidar.
Y con la esperanza de que lo dicho por Eddie Vedder se haga realidad.

"...La proxima vez no tardaremos tanto..."

babasonicos

Babasonicos irrumpió una nueva apuesta rockera allá a lo lejos en los tempranos noventa, donde convivían los también novedosos grupos afines Juana la loca, Los brujos, Tia newton.
Apadrinados por los máximos cerebros vanguardistas, la pareja feliz en ese entonces Cerati-Melero.
Propusieron desde sus comienzos una imagen dislocada, de la mano de lo visual asociado a los videos, como promoción multimedia, como nunca se vio en una banda de estas tierras...
Arrancaron con Pasto(1992) un desprolijo pastiche modelo sónico acorde a la rebeldía de pisar fuerte con una nueva marca, apuesta musical renovadora (d-generacion, natural, somos la pelota) e imágenes retro de los 70´s, hay que reconocer que fueron los primeros, ver ese primerísimo plano de las zapatillas Puma en ese video de D-generación...
La siguieron con Trance Zomba(1994), otro calidoscopio generacional, con ese hitazo llamado Malon... (abanderando el rock alternativo), psicobaladasacusticas muy voladas, fiesta con patines, montañas de agua( vuelo surfer), etc.
Siguieron con su cut & past, Dopadromo(1996)... ahora para el lado de las pistas, pero de una manera bizarra, The Rocco show, selva, innovación instrumental pura, mutación ideal.
Babasonica(1997) fue la metamorfosis en Black sabbath y lo opuesto en las baladas acústicas, su disco más power, el diablo/a metido en el cuerpo.
Y llegamos a Miami (1999) donde cultivan cierto aire melancólico, desgarrador de aires latinos, comenzaban a asociar criterios musicales con una gran producción y muchos loops de relleno.
Jessico (2001), Infame(2003) fueron su jugada masiva, su apuesta final, la apuesta al hit inmediato, bajando linea al comun denominador popular en sus letras, se colocaron a fuerza de glamour autentico, dentro de los colosos del rock nacional.
Ahora llega Anoche, su octavo disco oficial, luego de una expectativa por saber como variaría su performance discográfica.
Con melodias efectivas, su costado pop a robado protagonismo.
Optaron por perfeccionar su modelo radiable, redondear su propuesta (mutar lo menos posible...), ahora suenan simples, cortaron brillo por inmediatez, enfrascaron su esencia en un poprock previsible.
Las canciones se te pegan como moco, pero es el mismo chicle con el mismo gusto, comida recalentada otra vez...
Babasonicos en su etapa mas critica,descifrados y condenados al exito.

The Bravery

The Bravery

¿Porqué será que caemos en la trampa de volver a escuchar clones interminables?
¿Porqué será que volvemos a caer en la trampa preparada por un mercado dispuesto a sacar tus billetes ?
¿Porqué será que no podemos sacarnos de la cabeza, An Honest Mistake, Unconditional, No Brakes, singles explosivos de este debut de the Bravery?

Preguntas, quizas las mismas de siempre... quien impone lo que nosotros escuchamos en las radios, porque "compramos" esa imagen tan previsiblemente armada para juventudes poco pensantes...
Quizas la respuesta este en la musica, quizas no todo este perdido, quizas todavia una cancion pueda solucionarte un mal dia...
Oriunda de Nueva York, The Bravery fue formada en el 2003 por el guitarrista y cantante Sam Endicott, el guitarrista Michael Zakarin, el bajista Mike H, el tecladista John Conway y el baterista Anthony Burulcich.
The Bravery es otro proyecto armado para acaparar el brote revival de los ochentas con los cliches necesarios para hacerte recordar a The cure, New order, U2, etc.
Pero a no confundirse, no son meras copias como si lo era Oasis con The Beatles, Interpol con Joy Division, Coldplay con U2/Radiohead.
Esta banda apunta, como lo hacen entre otros, The Rapture,The Killers, Franz Ferdinand, a condimentar las pistas de baile.
Este nuevo formato new Post-Punk fomenta esa fusión, pero a no descartar tambien en este disco, ese estigma patentado por The Strokes de guitarras sucias y tambien a esos teclados que marcan la tendencia ochentosa.
Te aseguro que cuando escuches el disco por primera vez, quedaras conmovido con sus inborrables hits imediatos An Honest Mistake, Unconditional y No brakes, y aunque es verdad que las otras canciones no tengan la misma fuerza, dale tiempo a la totalidad del disco que vale la pena el intento.
En fin, creo que ya nos hemos acostumbrado bastante a no encontrar sonidos propios de banda nueva alguna, mientras no ocurra lo contrario, bienvenida sea bandas como The Killers y The Bravery que bebiendo las mieles del pasado reinventan el sonido del futuro.

www.thebravery.com

COLDPLAY

Hijos reconocidos de Radiohead y U2, Coldplay busca su propia identidad y ya no dejan dudas quieren mucho mas a Papa Bono, que a Mama Yorke y vuelven a escena luego de una espera digna de emperadores del rock mainstream.

Luego de su primer disco( Parachutes) en busqueda de la cancion pop perdida por Radiohead, la banda de Chris Martin a buscado su forma y su gracia propia en el pasado de U2, del que son acerrimos fans.
En su ultimo disco X & Y, las cordenadas pasan por la etapa cautiva de Brian Eno, hay una atmosfera épica digna del mejor The joshua tree, en temas como Square one y talk. Pero es en las baladas donde mas resalta su destacado matiz, en la sensibilidad increscendo, los estribillos emotivos, en temas como what if y fix you y su primer sencillo speed of sounds donde nos demuestran su forma mas personal, su fruta no contaminada.
No varia mucho la tematica musical en torno a su anterior disco A rush of blood to the head pero incorporaron elementos que les otorgan nuevos matices, los sintetizadores y las programaciones tomaron el mando, esa atmosfera tan Brian Eno, viene como anillo al dedo para revitalizarlos y para sumar espacios auditivos.
Cabe destacar que la voz cautivante de Chris Martin esta mejor que nunca y que sumado a esos punteos tan The edge... han logrado que esas canciones desgarradoras con explosiones suaves, aptas para todo publico e igual de encantadoras, sean las mas destacables, dentro de un panorama del rock donde la mediocridad a tocado hasta a los mismisimos dioses de u2.
Coldplay sigue alimentando a una nueva generacion de oidos sensibles, a pasado la prueba de la fama, del tercer disco, y con gran altura, con todo lo que ello significa.
Sera x & y, sin dudas uno de los mejores discos de este año.

Daniel Melero en la Trastienda

Mucho se ha hablado de Daniel Melero: el pionero del techno en Argentina, el productor de innumerables bandas indies, el que le lavó la cara a Cerati, el que le ensució la cara a Cerati, el Brian Eno de estas pampas...Ahora ya visto a la distancia como un artista de culto... ¿Quien es Daniel Melero?
Quizás uno de los pocos artistas que nunca sintió a la electrónica como algo d´mode sino que propuso transformar la tecnología en una herramienta para despistar a la razón. Su último disco despues nos relaciona con texturas sonoras propias del ambient, el oyente opta por pasarlo de largo (aunque suene imposible) o dejarse llevar por el aura envolvente.
Sin dudas un artista sin mucho vuelo masivo, pero uno de los pocos que te hace volar...

La cita fue un viernes en la Trastienda, lugar prolijo que se dedica ahora a albergar a cierto Big Band post Cromagnon. La hora determinada 21.30, cierto mundillo palermitano inundaba la contrasede arrabalera de San telmo, la primera impresión escénica, un muchacho con un paraguas al compás de un hipnótico beat con gusto a lluvia kitsch.
Al cabo de unos minutos la espera terminó, Daniel melero salió con su infaltable traje de gala y sus respectivos lentes característicos ...
La propuesta arrancó a las 22 con "Líneas", canción de Los Encargados. Causó sorpresa, grata sorpresa, el repertorio utilizado para revitalizar sus laureles de pionero techno, varios temas de Los Encargados, algunos de Conga, otros de Cámara( su disco pre Colores Santos), pocos de Travesti, entre otros, pero por supuesto la idea era presentar Despues su último notable disco.
Al comienzo la banda se notó un tanto desprolija, por momentos para bien. En los primeros temas, el bajo y la bateria sintonizados por el alto desempeño de los teclados hacían imaginar a este cronista rasgos de una banda con genes postpunk, algún New order sucio, pero la no inclusión sonora en volumen del punteo de guitarra de Amor en pie (canción pop perfecta, tal vez una de los mejores temas pop/rock de daniel) desentonó con esta primera buena impresión.
Como frontman Melero se mueve como un científico loco, como no muy cómodo con su propia presencia, y también como un padre copado con las locuras de sus hijos (los demás músicos que les dobla en edad), se nota en sus gestos que disfruta de sus presentaciones viendo tocar a sus músicos, digno de un gran Dt con años de experiencia en animar a nuevos exponentes de la nueva guardia electrónica.
La formación esta integrada por Tomás Barry en guitarras, Yuliano Acri en teclados, Leo Santos en bateria y Félix Cristiani en bajo.
Mediando la íntima velada uno sentía lo que brinda el disco despues, cierta levitación, trance: Mágico, Primitivo, Nadie sabe amar, canciones de moda fueron algunos exponentes del repertorio discográfico que remozó para esta ocasión. Cabe destacar también la buena puesta en escena y el excelente sónido que el lugar pone a disposición del espectador.
El bloque final con tres canciones de Travesti: la sed, herirte y todo, fue lo mejor de la noche. Cierto dramatismo vocal escénico empastado por distorciones que iluminaban el sonido tocó el nervio sónico que tanto extrañabamos de Daniel.
El tiempo es tirano, una hora y cuarto de show, poco tiempo para la gente que pidió más y esperó hasta que las luces alumbraron en demasía los ojos tristes de la despedida ...

En fin, Daniel Melero con su último disco ha dejado de lado cierto vejete aventurero (vaquero), cierto crooner de salón (piano), ahora va mas allá, ya no es sólo una aspiradora de mousse (techno) sino que pide pista para ponerse la máscara que mejor le sale: la de niño explorador sobrevolando tierra sónica, demostrándolo nuevamente con nueva sangre joven enchufada a su cerebro.

Placebo en BSAS

Placebo recorre desde hace muchos años el mundillo del rock bussines sin haberse subido a ningun revival y eso es lo que lo mantiene siempre en alza, una banda actual que no huele a ropa gastada, que utiliza la tecnología para superarse disco tras disco que aunque recurran a lugares comunes de llantos adolescentes, son los nuevos abanderados del dark pop y aqui en la Argentina traidos por la radio Kabul (propiedad de Grinbank ¿lo conocen?), presentaron su coleccion de simples Once More With Feeling.

Llegando al Luna el paisaje era de esperarse, niños, niñas y no tanto, dispuestos a decorarse, decorados, bah... llegaba Placebo y no era para menos, la oportunidad era mas que única.
La banda liderada por Brian Molko que destila, rock pop electrónica dark glam, todo en uno, llegaba a Buenos aires y por aca la incertidumbre por saber cuanta gente iba a concurrir era la misma que abran tenido ellos...
Llamo la atencion la puntualidad establecida, solo 10 minutos de mas, comenzaron a las 21:40, la gente que todavia estaba en la puerta, no entendia como ya estaba sonando la base programada del primer tema Taste in men, que dio paso al baterista Steve Hewitt, y asi al bajista Stefan Olsdal y luego al cantante y guitarrista "Nancy boy" Brian Molko.
Todo comenzo y siguio sin inconvenientes, solo un par de problemitas del cable de la guitarra y un par de desfasajes de tempo entre la base programada y la base humana.
Salvo un par de variaciones mas tranquilas, y un par de jams de desenfreno guitarrero ya algo trillado, la banda sono muy precisa, profesionales al fin, un reloj con el cd puesto...
English summer rain, without you I'M nothing, black eyed, speecial needs, special k fueron solo algunos de los temas festejados por los fans argentinos de esta banda.
Cabe destacarse la labor del bajista, multinstrumentista y showman (mezcla de kris novoselic y el actor de The wall), siendo el unico que hablaba castellano con el público, trato de opacar el nivel de atencion del cantante, levantando los brazos y bailando los temas.
Brian Molko, asustado ante el fervor de las fans, que saltaban descontrolados, tan...? descontrolados que les tuvo que llamar la atencion para que se calmaran, que se podrian lastimar...
Cromagnon por aqui tambien?...
En conclusion: los nuevos abanderados de la elite dark pasearon el cd de singles por arriba del escenario durante menos de una hora y media, sonaron como en las grandes ligas ,vinieron, gustaron y llenaron el Luna park un lunes y por $60 mangos...
Algo mas...?
Si...
no saben lo que se perdieron.............

Nuevo disco de U2

U2
¿Es U2 la mejor banda de rock del mundo?

Sometámoslo a estos argumentos...

Mantienen a todos sus integrantes originales desde el comienzo, todos sus discos son records de ventas, no hay ningun tropezón en su carrera artística que ya va por su tercer década, son influencia constante de bandas recientes y ya consagradas como Coldplay y Travis.

Sus volantazos estilísticos dieron buen resultado y con un alto impacto en sus fans más acerrimos, el quiebre en Achtung baby¡, por ejemplo.

Ahora que desde su anterior disco han decidido volver a sus raíces.

¿Qué podemos decir de ellos?

How to dismantle an atomic bomb, su última aparición discográfica nos sugiere una continuación del U2 clásico, una vez más.

Imaginémonos a Bono, The edge,Adam Clayton y Larry Mullen mirándose a los ojos, sonriendo con gestos de nostalgia, previo a encontrarse con el camino que los llevase al Zoo Station, pegando la vuelta de nuevo a casa.

Es que en este disco ya no quedan rastros, ni un mínimo roce hacia la electrónica o al trip-hop, todo se reduce a movimientos meticulosamente ya jugados, cualquier tema, idea, de este nuevo ejemplar de U2, lo podríamos encontrar en cualquier disco de los 80, que ya lo tenemos guardado en nuestra memoria y en nuestra colección de cd´s.

The Edge se luce como nunca en todo el disco, sus punteos con ese Delay tan particular patentados por él desde hace tiempo( lo único que no han querido copiar las bandas pro Radiohead-U2), copan buena parte de los temas, como recurso es válido, pero tanta abundancia, digamos que agota demasiado rápido nuestra escucha.

Por ende me pregunto...

¿Donde esta esa banda a la que le gustaba jugar y arriesgarse un poco más?

Si al disco anterior All that you can´t leave behind, lo diste como válido, seguramente le agradará este envío a tu sentimental alma conmovida, pero no te dejes engañar, lo que es muy digerible y agradable a la vez, lo dejaras de lado rápidamente, una vez que le encuentres el chiste...y ese chiste ya lo conoces...

¿Será que con la vejez se enciende el piloto automático?

¿ES U2 la mejor banda de rock del mundo?

Sus records de ventas aseguradas no nos darán la respuesta.

Rock en Ñ

cerati

Rock en ñ me dijeron, y yo fui creyendo algún sonar de tintes gallegas, alguna gaita o algún flamenco...
Esto que transcribo, me comento al pasar, un no tan viejo transeúnte que paseando por el coquetismo Puerto Madero se daba cita al evento promocionado por el festejo del día de la música...
Pero nada de eso que creyó en vano este buen hombre, llego a pasar por mis oídos....
Eran algo de las 19hs, cuando comenzó a sonar Rosario Blefari, oriunda de una banda Low-fi de los noventa llamada Suarez, de cierto renombre editorial para rockeros sensibles.
Algo así como una novia/ prima cercana de Francisco Bochaton, líder de los Peligrosos Gorriones, de ascendencia, Pixies, Sonic Youth.
Digamos que la desafinación ad-hoc era en demasía, los ribetes de rabia/acople no llegaba nunca, salvo en un tema y ahí la cosa gusto algo.
Lo demás era de esperar, poca gente, poca gente que conocía sus temas, que a decir verdad, le gustaban a muy pocos.
Se fueron las chicas con algún tímido aplauso, y a esperar la estocada española, porque la idea de este festival, vale aclarar, era el intercambio español/argentino de música contemporánea.
Leí algo de lo que se venía, música electrónica, con toques de salsa y que se yo...
Luego de un tiempillo, que ahí vale una eternidad, aparecieron unos hombres vestidos de blanco, algo así como de mameluco, con unas varas de color fluorescente, imitando las señales que se emiten al llegar un aterrizaje de avión.
Todo enfundado en una torrente ebullición de beats a punto de explotar...
Y ahí vino Carlos Jean, un moreno, obeso él, con una mezcla no tan afortunada de hip-hop, electrónica a la Fatboy Slim y funk-rapeado, o sea... para bien o para mal nada de rock en español.
La gente opto por el paso obvio, gordo de acá, gordo de allá, dio cátedra de adiestramiento de público difícil y algunos empezaron a saltar, de a poco se hizo querer a fuerza de chistes fáciles (arengas que todo ser humano no argento debe aplicar, el nombre de Maradona... )
Por suerte para mi vino su cierre y el plato fuerte de la noche... Gustavo Cerati era el final de la fiesta gratuita patrocinada por el gobierno de la ciudad.
Tardó en llegar, como toda superestrella, los técnicos tuvieron que acomodar toda su maquinaria infernal arriba del escenario. Comenzó con el temita de la novela, tu locura y la locura empezó...
Siguió con un repaso de los temas de Siempre es Hoy reversionados, temas nunca antes tocados de su primer disco Amor Amarillo( el tema Ahora es nunca fue un pico del recital...), pocos temas de Bocanada, y muchos de Soda Stereo.
Cabe destacar la presión de la hinchada por "hinchar", por la vuelta del monstruo. Pero a decir verdad aunque en cada tema de Soda las bengalas se hayan prendido, la energía del público no solo fluye con esos temas. Cerati tuvo la desición de ir cambiando el repertorio de su antigua banda, deformándolos de una manera tal que ya no parezcan los mismos, solo son una sombra de color rosa eléctrica, que no desentonan para nada con su actual repertorio.
Cabe decir tambien que Gustavo no solo aggiornó de manera suave sus temas, sino que tambien sacó sus guantes menos delicados e hizo sufrir a su maquina más antigua, y que más resultados le dio, su guitarra fue tocada en algunos puntos de la noche de manera sacada como si la hubiese descubierto un niño con sed de destrucción.
Hablando de violas... Mención honorífica y recuerdo imborrable para este cronista, fue cuando Gustavo verifico que su guitarra estaba desafinada, atino a comenzar a afinar dicho instrumento, dándosela luego del fallido intento a su asistente personal...
¿Qué paso Gusty... te olvidaste como afinar?
Punto fuerte de la noche, a mitad de camino, ante la sorpresa del público presente, subió a escena Fabiana Cantilo, a cantar Te llevo para que me lleves, y se llevó una gran ovación, pero el grave error fue seguir ahi arriba, cantando un tema más...
La fiesta continuó y las caras de alegría de la gente denotaban un recital contundente, como en el Personal Fest, pero con olor a huevos y menos camaritas...
Cuando se veía venir el final, retornó luego de la primera partida, dando uno de los bises para la historia, tocando el nervio emocional con Puente, y una versión inédita de Vuelta por el Universo, de aquel disco cada vez mas grande de Cerati junto a Melero, esta versión dejo a todo el mundo atónito, fue ruidosa, magnífica, perlita para fanaticos...
La cosa terminó con Primavera Cero y todo el mundo a sus casas, con el corazón delator diciendonos que no necesitamos de Soda sabiendo que Cerati esta mas vivo que nunca.

the cure

The cure

Banda formada desde 1978 donde el único integrante original desde ese entonces es su carismático líder: Robert Smith, dueño de un estilo inconfundible.
Desde ese entonces esta banda no ha dejado de sorprender por la mutación minuciosa de sus discos, The Cure ha sabido conservar su público oscuro de sus principios para probar con los influjos pop de la decada de los ochenta y salir airosos, aunque con algunos altibajos no tan importantes, ahora vistos a la distancia.
Tras estos últimos años, su constante éxito comercial le ha dado la espalda, algunos pronosticaron su fecha de vencimiento.
Numerosas compilaciones, discos no tan relevantes, como el ultra melancólico Bloodflowers y un poco mas atrás en el tiempo, su disco más criticable, wild mood swings, no generaban mayor interes.
Pero en la vida de The Cure nunca existe un final, aunque desde Disintegration su líder lo sugiera disco tras disco.
El 2004 los trae de vuelta con disco nuevo llamado simplemente The Cure.
Ross Robinson, productor de exitosa bandas de New Metal como Korn o Slipknot, que nunca ocultaron su fanatismo por The Cure, fue el encargado de volver a creer en Robert Smith insistiéndole para que la banda dark mas grande de la historia se calzara los guantes y vuelva al ruedo una vez más.
Quizás, éste sea el disco más cercano a Wish, él más logrado de los noventa, por el acaparamiento casi total de guitarras afiladas, con distorsiones bien potentes, la antítesis de Bloodflowers, su trabajo anterior, el más acústico.
Sin lugar a dudas, The cure es su disco más impactante, dado por la potencia, rabia, contundencia.Donde la voz cumple un rol fundamental sumándole un grito de emotividad a tan avasallante entrega de energía vivida, ya que fue grabado con todos sus integrantes tocando a la vez, en un clima único.
Insisto , este disco no admite oídos sensibles al ruido...
Pongansen a prueba con el pico mas alto de entrega, el tema The promise e intenten respirar con cierta tranquilidad...
Pero calma, no se asusten, que tambien hay lugar para los temas más apacibles, infaltables, viniendo de una banda gótica, uno de ellos, tranquilamente pudo tomarse prestado del disco Adore de Smashing Pumpkins, pero bueno, dicen por ahi que quien le roba a un ladrón tiene cien años de perdón...
Sin dejar de lado que son una banda pop, sus cortes de difusion, The end of the world y Taking off, son aptos para todo público, por eso el disco The cure acapara todos los sentidos y deja bien contentas a todas las sensaciones de la emoción cureana.
En fin, la legión fanatica de esta banda puede quedarse tranquila, este es un digno final...
si el viejo Robert asi lo desea...

The killers hot fusses

The killers
hot fusses

...y pico en punta the strokes con su maquinaria invencible de rock a la Velvet underground, sigue no muy atrás The white stripes con su minimalismo rockero, un poco mas rezagado y con cierto desgano Interpol... pero miren... de pronto detrás de ellos viene a toda velocidad un bólido con cierto aire a Penelope Glamour llamado... The killers... ¿Qué nos trae de nuevo esta nueva the band? Digamos que nada que no se haya inventado antes. Hot fusses el disco, debut de the killers, busca despegarse del modelito retro-rock para ponerse la camiseta de la new-wave (la nueva operación revival), escuchar Duran-Duran, demostrarnos su angustia existencial. Ojo, el disco no transcurre por las tranquilas aguas de la década del rimel, las luces y las poses, sino que maquilla de modo original el retro-rock con una buena dosis de sintetizadores ochentosos, eso esta mas que claro en todo el disco, se nota la insistencia. Además dejan filtrar guitarras sin culpa, recurren también a algún que otro nervioso arranque y freno de un At the drive-in controlado, sin embargo no se crean que no van a encontrar rasgos del ya joven clásico The strokes.... En fin, desde que se le bajo el pulgar al new metal, The killers promete ser un buen derivado de los estimadísimos ochenta, y como todo deja-vu, no deja de ser nostálgico, me pregunto: ¿estaremos demasiado acostumbrados a discernir influencias, o la verdadera originalidad de estos tiempos es mezclar bien los ingredientes como toda buena receta de mercado?
the killers album